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音乐电子音

发布时间:2017-07-19 影响了:

小编语:为你精心整理的音乐电子音,希望对你有帮助! 如果喜欢就请继续关注我们博文学习网(www.hnnscy.com)的后续更新吧!

音乐电子音篇一:最好听最全100首背景音乐

《Kiss The Rain 雨的印记》(Yiruma) a

《Tears眼泪》(The Daydream)

《YOU&ME》(The Daydream)

《天空之城》钢琴版 Carrying You

《Merry Christmas》 Mr.Lawrence(坂本龙一)

背景配乐就是这首)

《流动的城市》林海

《月光边境》林海

《迷失》林海

《远方的寂静》林海

《Canon In D》帕海贝尔 (最近发现湖南台周笔畅的勇往直前的广告

《鸟之诗》钢琴版

小提琴:

《流浪者之歌》萨拉萨蒂

《天空之城》久石让

《小百合》(《云之彼端 约定的地方》中的曲子)

《Ave Maria圣母颂》舒伯特

《D大调卡农》帕海贝尔

《斗牛士之歌》萨拉萨蒂

《D大调第一华丽波兰舞曲》维尼亚夫斯基

《24首随想曲》帕格尼尼

《G小调恰空》维塔利

大提琴

《天鹅》圣桑 (优雅的天鹅)

《G大调第1号无伴奏大提琴组曲之前奏曲》巴赫(很经典)

《降B大调第九大提琴协奏曲》博凯里尼

《西西里舞曲》福雷(非常有旋律性,好听的曲子啊)

单簧管

《单簧管波尔卡》波兰民谣

《浪漫曲》圣桑(温柔的)

小号

《亚麻色头发的少女》德彪西

《双鹰旗下进行曲》瓦格纳(进行曲)

《阿莱城的姑娘之法朗多尔》比才(较有气势)

《行星组曲之木星》霍尔斯特(温馨,却又有点忧伤的感觉)

《小夜曲》舒伯特(小夜曲,浪漫啊)

《歌之翼》门德尔松(充满着阳光的味道)

长笛

《a小调无伴奏长笛组曲》巴赫(这首曲子被认为是最不像长笛组曲的长笛组曲) 《沉思》马斯涅(浪漫的法国风格)

《培尔·金特组曲之第一组曲晨景》格里格(清新优美的小品)

《阿尔比诺尼柔板》阿尔比诺尼(忧伤、沉重)

以上就是自己很喜欢的好听的曲子哦,其中有古典的,也有现代的(我累啊)

不过真的非常好听。另外喜欢古典乐的话可以去看TV动画《金色琴弦》,很多著名的曲子里面都有,超喜欢的。

邱比特 instrumental

/files/A/S/7SB1KIQ348I.mp3

天空之城

http://59.44.142.130/music/Y/200588/14152/505172.wma

irish lullaby 爱尔兰摇篮曲

http://music.huaian.com/mp3/haian/3.mp3

月あかりの砂のなかに

/conan/sleeplessbeauty.mp3

别人的浪漫

/007/ape9/sample04.wma

妖精之森 钢琴曲

http://media.flamesky.com/007/ape9/sample03.wma

风之誓言 梁邦彦

http://media.flamesky.com/007/ape9/sample02.wma

夕焼け云 from 《Furusato Reborn ~ふるさと~》作曲:加羽泽美浓 依然不能忘记深深打动我的第二首《晚霞》

http://media.flamesky.com/007/ape9/12eveningglow.wma

静寂 from 《香》 作曲:菅井爱里

这是一片无人的山林

http://media.flamesky.com/007/ape9/11Silence.wma

红叶 from 《Tofu 东风》 作曲:巨势典子

音乐电子音篇二:神奇的电子音乐教案

《神奇的电子音乐 》教案

[教学目标]

1、知识与技能:了解电声乐器的发声原理,认识常见的电声乐器;

2、过程与方法:以师生互动交流为主,让学生了解电子音乐,扩大学生的艺术视野;

3、情感态度与价值观:了解电子音乐的起源及发展的趋势。

[教学重点]

让学生对电子音乐有初步的认识,扩大学生的艺术视野。

[教学难点]

如何在一堂课上使学生对双排键电子琴与管弦乐两者的区别有个正确的认识。

[教 具] 多媒体电脑、自制多媒体课件,音乐VCD等。

[教学过程]

一、复习

上节课大家学唱了《七子之歌》,现在大家一起来齐唱。(此过程中纠正学生的错误发音。)

大家还记不记的《七子之歌》的历史背景?(为了庆祝澳门回归祖国的怀抱) 那么大家还记不记得澳门是什么时候回归祖国的?(1999年12月20日) 《七子之歌》中的七子分别是指:澳门、香港、台湾、威海卫(位于今山东半岛北端威海市)、广州湾(今广东省湛江市)、九龙、旅顺(今大连市)。

下面我们分组唱《七子之歌》

1、男女分组齐唱

2、分组齐唱

(老师在此过程中点评、学生自我评价)

二、导入

下面我们来听一首《西班牙斗牛舞曲》,在欣赏的同时请同学们思考三个问题。

(1)你听到了哪些声音?(由合成器演奏的不同音色的声音,如掌声、鸟鸣、流水,有旋律的梦幻般的声音,怪异的声音等。)

答: 掌声、鸟鸣、流水等。

(2)这些都是由哪件乐器演奏出来的?

答:电子琴和合成器。

(3)这些乐器与我们所知道的西洋乐器和中国民族乐器有什么区别吗?答:他们有电。

今天我们就来学习电子音乐的知识。

三、新课授课 现在电子琴很受大众的喜爱,因为它能够模拟各种中西乐器、人声、打击乐器及自然界各种音响,达到以假乱真地效果;还能够自动奏出世界各民族各地区不同风格的节奏;还具有录音合成功能。

科学技术的飞速进步为音乐开辟了新的发展空间。以现代科学技术为基础的电子乐器能模拟各种传统乐器的音色,甚至还能创造出各种意想不到的声音。电子音乐给人带来丰富奇特的天籁般的听觉感受,开拓了人们的想象空间,提高了音乐艺术的感染力。

今天我们就从五个方面来了解电子音乐。

1、电子音乐的起源:电子音乐简称电音、电子乐。20世纪50年代兴起的一种新音乐。在50年代前期,电子音乐是经过计算后才制作的。50年代末产生的电子音乐合成器,可以直接控制音调、节奏、力度和音色,制作者选择应用电钮就能产生各种奇妙的音乐。

2、电子音乐的定义:只要是使用电子设备所创造的音乐,都可称为电子乐。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、鼓机等乐器所产生的电子声响,都可合理地称为电子音乐。其实电子乐这个词可以指很多的音乐类型,因为电子乐器的使用变的越来越普遍了,而且很多80年代后期的跳舞音乐都是电子的。电子音乐,其范围相当广泛,电影配乐、广告配乐,甚至某些流行歌、摇滚乐中都会出现,只是常人不易发觉。

3、电子音乐的原理:电子乐器可以模仿各种乐器发出的声音,要模仿的逼真,其关键是要电子乐器所发出的声音,要与模仿乐器发出的声音的音色特征尽可能的一致,跟一般的电器的材质、发声原理都不同。电子乐器在现代发展迅速,软件为主的虚拟机器已成为主流。

4、电子音乐的种类:演示图片让大家认识我们生活中常见的电子音乐。抽同学

回答。(电吉他、电贝司、电钢琴、电架子鼓、电古筝、电手风琴) 5、电子音乐的发展历程:

1876年,亚历山大·贝尔发明了可以将声音转化成电子信号的电话。

1877年,爱迪生发明留声机,宣告了机械复制时代的来临,电子音乐史本身就是部技术史,没有机器就没有电子音乐。

1913年,意大利未来主义者卢梭罗发表了他最著名的“噪音的艺术”宣言。他号召所有未来主义音乐家都用噪音来取代交响乐队乐器声音的限制。要知道那时候连打击乐都属于“噪音”的范畴。具象音乐开始走进大众。

随后整个60年代便是电子音乐入倾流行音乐的小打小闹过程。

发展至今,电子音乐以成为主流。

下面我们来欣赏《卡门序曲》(双排键电子琴版)和《卡门序曲》(管弦乐队版)。同学们仔细欣赏音乐比较两种音乐之间的区别。

答:双排键电子琴右手的一排的音色可以由两个音色组成,左手的音色也有两个音色组成,左脚的也一样。右脚可以踢换音色节奏,使节奏连贯。管弦乐声音饱满、音色丰富、表现力极强,管弦乐队可演奏多达几十个声部的大型音乐作品。

区别 :电子琴声音较单调,表现力较弱,虽然音色也很多(可能也有管弦乐音色),但同时只能几种音色发音,而且最多只能演奏几个声部。

四、新课总结:

电子音乐与其说是高科技的产物,不如说是时代的产物,与过去的摇滚乐有所不同,它更提倡青年人的参与精神,它要求并不是用耳朵去听,而是要用全身心去感觉。电子音乐突破了传统的思维模式。

音乐电子音篇三:电子音乐概论

电子音乐概论Qy ppt照片手打版,错字请见谅,红字为照片模糊不可分辨内容。谁记得谁补充补充吧。。。呜呜呜。。。 一

新声音:新音源,声音的处理

声学音源:电子放大

采样声音来源:调制

声音处理手段:delay,echo,?? 新的表现方式:

磁带音乐,交互式现场演出,多媒体,声音装置。

电子音乐(electronic music),是通过电子设备和电子手段生成或处理加工的音乐。主要涉及严肃(先锋)电子音乐。 Eg:aube,中岛昭文 karkowski??

历史进程:

20世纪20年代,电子机械设备的快速发展

1948,具象音乐的诞生以及电子音乐工作室的建立

1952:电子原音音乐的创作。

20世纪50,60年代:现代合成器的产生与快速发展

20世纪60年代:实时电子音乐的诞生。

始于20世纪50年代发展至今的计算机电子音乐。

始于20世纪80年代发展至今的midi控制的电子音乐。

振荡器:一个电子设备——产生一个周期性的精确频率的信号,通常是一个正弦波,有的时候是一个方波或其他波形。振荡器通常是在音频设备中,或广泛的作为测试信号发生器使用。Eg:正弦波/锯齿波/三角波/方波。

Stockhausen

Stockhausen1953年开始在NWDR工作,第一个作品是为正弦波而作的studie 1。他作了一个非常重要的决定,那就是:不采用任何的电子乐器,而只用一个从频率发生器中产生的纯正弦波(不带泛音)。

他在磁带上录制了单独的正弦波,用了两个磁带录音机将他们在一个时间内同时回放,然后将他们录制在一个第三方磁带录音机上,依此类推。接着,他剪切和黏贴这些磁带,制造出很多的磁带复调结构的拼贴,他也依靠一些自然室内回响来在作品中产生回响。

锯齿波含有所有的谐波,而其谐波强度与其谐波次数成反比,如果基频声音的强度为a,第二谐波的强度则为a/2,第三谐波则为a/3,依此类推。

方波则仅有锯齿波内的奇数谐波部分。

三角波也只有奇数谐波,其强度则与其次数平方成反比,如果基频声音的强度为a,第三谐波仅有a/9,第五谐波则是a/25,依此类推。

1954年,Stockhausen写作了studieII 在作品中,运用了5个正弦波,将他们放在一个室内混响的环境中录制。

studieII这是第一个由总谱的电子音乐作品。总谱分为上下两个部分,上面是声音混合的高低频率,在其上由另外的声音混合加入,页面中间的两个水平线条表示以按照一定速度移动的磁带移动量作为单位的声音持续时间,下面的三角形状表示分贝音量。

Stockhausen在NWDR使用的设备清单:

发生器:正弦波,矩形波,锯齿波,噪声发生器

滤波器:八度,三度,广播剧(w49)滤波器

磁带录音机:许多单声道,2轨,4轨的磁带录音机。在这里面,有一个2轨的和一个4轨的可以连续变磁带速度磁带录音机和有6个回放磁头的一个springer磁带录音机。

加法和成(additive synthesis)就是:基本波形的总和去创造一个更复杂的波形。它的原理基于付立叶的理论——声音是许多不同力度泛音叠加的产物,那么也可以通过在同样力度上将泛音集合来再现声音。

早期电子乐器

通过电流产生声音的历史至少可以追溯到1937年,Dr.C.G..Page报道了他的意外发现——“电流激发的音乐”(galvenic music),

他是用马蹄形磁铁和铜螺线圈产生了类似电话振铃的声音。

1898年,thaddeus cahill 设计和建造了Telharmonium合成器。这是世界上最早的音乐合成器,它运用了加法声音合成的原理来处理和调制。

个体的音色由基音和泛音构成,由巨大的发电机产生。为了产生纯正弦波合成的目的,用电容器来调整个体的发生器线圈,这是另一种声音调制的手段。

“纯”电子音乐的制作(音乐不是由改变“自然”声学声音而构成)基于两项技术:“加法合成”和“减法合成”。加法合成就是:基本波形的总和去创造一个更复杂的波形。它的原理基于付立叶的理论——声音是许多不同力度泛音叠加的产物,那么也可以通过在同样力度上将泛音集合来再现声音。

Columbia-princelon electronic music center

Arel :stereo electronic music no 2 (1970)

Arel是哥伦比亚`普林斯顿电子音乐中心的作曲家。这首作品相是完全使用人工合成声音的办法而完成的。作品中的声部和声音在一个很小的范围内运动。以缓慢的气息发展,偶然被一些快速的音型所打断。形成对比。

声音观念的解放

1913年,意大利未来主义者luigi russolo发表了著名的噪音艺术宣言。全文的结论为以下八点:

1 未来主义音乐家必须不断的扩大和丰富声音领域;

2 未来主义音乐家都用噪音来取代交响乐队乐器声音的限制;

3 音乐家的敏感性,须从流畅和传统节奏中解放出来,必须从噪音中发现扩展和复兴的手段,给每个噪音提供许多不同的节奏组合。

4 可以给噪音以音高的变化;

5 建造这些乐器在时间方面的困难是不困难的,

6 为了能使乐队中的音色更为丰富,这些噪音乐器需要有音调变化方面的可能性,以及多级别的扩声。

7 噪音的多样性是无穷大的;

8 最后,邀请有才华的年轻音乐家来参与到这个事业中,去研究噪音及噪音艺术。

1913-1914 the“intonotumori”

intonotumori 或者成为噪音机器。是russolo设计的声学声音发生器系列。是为了创造出在“噪音艺术”宣言中所描述的声音色彩,每个机器的外形都很诙谐地:不同尺寸的实心盒子和一个巨大的被脚撑起的金属喇叭。

在1914年,russolo和marinetii 在伦敦大体育馆作了一次intonotumori的演出,动用了12个演奏者。

Russolo将这个噪音机器系列分为6组:第一组主要是动静比较大的声音,比如爆炸声;第二组为汽笛声等;第三组都是细微的声音,如流水声等;第四组是尖叫声、吱吱声、沙沙声、噼啪声等等;第五组都是打击乐声音;第六组是动物和人的声音。

不论我们在何处,我们所听到的大部分都是噪音。当我们忽略它,它会来干扰;当我们听它。会发现它非常迷人:以每小时50英里行驶的火车声,两个火车站之间的静音,雨声??我们想要抓住和控制这些声响,不是要将它们当作声音特技用,而是要将它们当乐器用。——john cage

我们最高的事业是我们每天的日常生活:我无话可说而我正说着这就是我所需要的诗意。

4分33秒:我最重要的作品是无事的作品。在我的生活和工作中,没有一天我不用到我这部作品德意义,在我写下一部新作品之前,我总是先想想它。——john cage

Inlets (improvisation II)为海螺号演奏者与火警声而作(1977)

Cage:cartridge music (1960)

在这首作品中,留声机的唱头除了压在LP的沟纹上得出音乐,也被用于各种不同的材质表面,如金属、皮革、石板,从而获得各种意想不到的声音:这种作品故意将细微的声音放大、从头至尾透出一种不确定的进行方式。

1939:“想象的风景第1号”john cage

这首作品为6位打击乐手而作,被认为是最早的电子音乐作品之一,作品运用了两台可变速留声机、制音钢琴和中国钹,留声机里

音乐电子音

播放的是正弦波的音乐材料,演奏员在舞台上实时控制留声机的速度,混以制音钢琴和铙钹的音响,组合成一首作品。

1948年4月,法国国家电台的工程师pierre schaeffer有了一个灵感。他写道:“的确,火车头音乐会的主意是令人激动的,非常好的!5月3日,他带着无线电广播车到巴黎郊区把火车运动的声音录了下来,schaeffer运用了一个direct-to-disk的录音方法——这是当时唯一一个可用的技术,然后通过同时回放几个磁盘来“编辑”音乐,摘录其中需要的,最后将其混音,录到一个主磁盘上。他把这个作品称为etude aux chemins de fer 铁路练习曲。这是第一个声音拼贴作品。

火车练习曲的声源由5个蒸汽火车头的汽笛声、喷气声、车轮的滚动声等声音、作品带有很强的实验性,在以下四个方面被认为具有重要的意义:

1、 一个音乐作品是通过技术手段加工处理而实现的

2、 一个作品可以被多次的重复播放。

3、 并不需要人类的演出就可以重新听到

4、 音乐元素是具体的

具体音乐的概念:

在首部作品之后,schaeffer把这种音乐方式称之为“具体音乐”,意味着:一个作曲家并不像在总谱上写音符一样,抽象地在用符号表达声音,而是要用具体声音发出的声音来工作。

“从抽象的角度来理解,传统音乐先是在头脑中构思,然后,记到谱纸上,最后,通过各种乐器的演奏得以实现;而具体音乐则不一样,它从已经存在了的声音材料入手,这些材料可能是乐音,也可能是噪音,通过试验,将这些材料制作,剪接在一起,创造出音乐来,最终完成的作品是这些试验和包含在作品的草图中的观念带来的结果。不过这些草图不能用来做音乐的总谱。”——pierre schaeffer

通常来说,“具体音乐”(musique concrete)也可以理解为:是以生活中的各种声音为材料,对其进行各类声音处理方式。

Symphonie pour un homme seul

1960年,pierre schaeffer&pierre hey合作完成了“Symphonie pour un homme seul”《为一个人的交响乐》。这部作品被认为是“具体音乐”的第一步完整的成功之作。

在这一作品的制作中,schaeffer开始拜托了简单的磁盘录制技法,首次采用了磁带录音技术,并朝向磁带录音系统的技术领域发展。在这部作品的创作期间,schaeffer的头脑中有两条线索:1。通过新技术(磁带录音等)拓展音源的可能性;2。是他后来理论中的声音体(object seonores)原理的发展和用他们来创作的实践。

在作品中,使用人声和非人声作为主要音源材料。他们可以被分成两组:

1. 人声:呼吸声、声音片段、喊叫声、嗡嗡声、口哨声

2. 非人声:脚步声、敲门声、打击乐、预制钢琴、管弦乐队乐器声

《为一个人的交响乐》作品课分为十一哥段落,一些段落不太严格地采用了古典音乐的结构,如古组曲、圆舞曲、谐谑曲等,词汇、词组的朗诵节奏型形成作品的中心主题,利用中心主题的重复(磁带)环和乐器,打击乐种种音型的补充片段使这种中心主题得到突出。

具体音乐使用的主要技术手段:

Cutting and splicing tape:以不同的角度剪切磁带会出现不同的起音和衰落。具体音乐家将磁带分成一段段很小的经过计算的尺寸,然后以垂直的或者是不同的角度将他们剪切拼接。

Tape loops:磁带首尾相连的剪切拼接法,产生一个环形或循环,使它可以连续循环播放。

Echo:磁带回声是有录音磁头和回放磁头之间的距离而产生的。录音刺头先把声音录在磁带上,当磁带卷动到放音磁头的位置时声音才放出来,这样就产生了延迟。被延时的信号在于原信号混合以达到所需的回声强度。

回声的持续时间由一个能调节录音磁头和放音磁头之间的距离的旋钮来调节。

Pitch:改变回放速度就会改变音高,如果回放速度变慢,音高就会变低,反之,音高会变高。

具体音乐的附加理论体系:

● Solfege体系

可以被看做是具体音乐的视唱体系,借以来分出声音体中新的声音自愿的音域、音色、节奏、力度等级。

为了记录,他采用了一种临时记谱系统,同传统记谱系统很相似,一张谱纸分成4块:生命体发出的声音素材,如人生;噪音;调制了的乐器;传统乐器。

每个声音要素都采用了传统的五线谱记谱,时值由每五秒一个纵线做参照,用花在谱子下面的线来表示,因为采用了自然乐器和人生的特殊声部和记谱法,可表达时值的每个音符的符头必须改为时值轴线的时值表示。自然界的具体音响要素记谱带有一个图标,标出音响要素音高时值大概的位置。

● 两种总谱

1. 操作谱 Ia partition operatoire :照顾到工作室操作所需的技术程序;

2. 音效谱 Ia partition d effet :考虑到音乐观念发展相应术语的标记。对于局外人来说,作品结构的意义只能由前面提到的

第二种总谱的记录方式展示出来。

Live electronic music——在工作室里运用实时技术而完成的作品

I am sitting in a room (Lucier 1969 )

作者运用磁带录音机在一间房间离去录制和再录制他的声音,一共重复了32遍,利用房间的共鸣将他的声音逐渐转变成抽象的声音。

总谱的开始:“选一个可以产生你想要音响效果的房间”,在房间里,朗诵及录制一段文字;录音机会将这段文字回放,房间内的扬声器输出回放,依次循环,重复很多次。

一遍又一遍的录制、回放及再录制??,房间的共鸣会被叠加起来,逐渐的,语音转换成音乐;基于声音和房间回声频率在频谱上的交叉点,文字变成了复杂的音高波形。

在总谱的最后,作曲家明确地解释了这个实验的基本程序:“在很多不同的房间里面,去录制一样的语句,来产生不同的版本;或是一个或多个演讲者以不同的语言在不同用的房间里,产生不同的版本;或是将mic放在不同的位置,产生不同的版本;实时的演奏来产生不同的版本。”

I am shitting in a room (2002)microphone, loudspeakers,live electronics,4 channel audio system

这个声音设计的名字取自于alvin lucier 的经典之作“我坐在屋子里”。我通过同样内容的不断重复录音和投射,使得屋内的共鸣声音能被听见。根据这个理论,bernhard gal利用其相反的@@,设置了两个洗手间的声学环境。Mic和扬声器被同时安置在这2个空间内,从一间洗手间发出的声音能发射到另一个洗手间,这样产生的反馈的信号,是很快@@表明lucier的原理的。一个实时的电子声音控制系统,包括了力度包络,延时模式,音高的改变,@@@房间的声音,以及共@速度,并调制各种反馈信号,与此同时,声音的记录以及声音空间声音的重放,形成新的声音@@

其声音设计原理是通过2个空间内,声音不断反射,共鸣,所形成一种特殊的效果。1个空间内的声音能通过叠加被听见,那么2个空间内的声音如果相互干涉所产生的,又是什么呢~?(照片太糊,@表示无力)

早期的调制合成手段:振幅调制(AM)

振幅调制:是一个信号(载波)的振幅按照另一个信号(调制)改变的调制方式;

实验结果:

1. 调制频率影响载波体振幅的变化速率

2. 调制体的振幅影响载波体振幅的变化深度

3. 调制体的波形影响载波体的波形变化

4. 最终结果:fc+(fc-fm)+(fc+fm) fc为载波体 fm为调制体

Voder 与 vocoder

Voder(语音合成器)完成于1939年, vocoder(声码器)于1940年由homer dudley在bell实验室中完成。这是第一个声音修改器,而且至今仍作为电子音乐中很重要的一个声音处理办法在使用。

Voder是一个键盘操作的解码乐器,由许多带通通道组成,用来模拟人类语言的共鸣,外加一个音调源(buzz source)和一个噪音源(称为hiss source),模仿一个演讲者的元音和辅音。

为了达到这个效果,音频范围在分析器中被切片成许多带通通道——相应于在合成器上一个相等数量的带通通道,并行相连。同时有相等个键位来控制语言的响度。所有的滤波器的来源都是噪音源(辅音)或buzz(元音)振荡器,“wrist bar”控制从元音到辅音的开关,或是相反。音高控制脚踏板产生出音调的上升或下降。三个黑键位提供了一个快速辅音的声音,如 d,k,p。

Vocoder:为了分析和合成声音以及调制人类声音而设计的一个电子音乐设备。它是Voder(语音合成器)和 decoder(解码器)的结合,它有一个分析语音的分析仪和一个重置同样语音的合成器组成。

一个声码器的目的是将你语音的载波用另一个从其他声源的载波替换掉。所以,它改变了语音的声音,但没有改变你设的信息。它用了外部与能源的共振峰和载波,然后再带通滤波器中分裂他们。然后从每一个共振峰带中提取调制包络。这个部分是由一个包络跟踪器和一个极端低通滤波器来完成的。然后,共振峰带被载波带调制,最后一起混合输出。

FM合成:使一个信号(载波)的频率按照另一个信号(调制)改变的调制方式。

调制体的频率影响载波体频率的速度变化

调制体的振幅影响载波体频率的深度变化

调制体的波形(或音色)影响载波体频率的波形变化

载波体的振幅在频率调制过程中保持不变。

SAIL(standford artificial intelligence laboratory)and john chowning

1967年,john chowning发现了FM运算法则。1973年,standford 大学和John Chowning把这个技术转让给了yamaha公司。之后,便产生了yamaha dx合成器。Fm合成的发明使合成音乐工业发生了一次革命。

Sabelithe (1971)

这是第一个用FM合成和360度空间(四声道)的作品。它设计了一些程序,用来给出声音一动的平均值,在作品中不同的点上表现出来。音色的转变和空间上的移动被结合在一起,作为附加的声音同时在空间中传播和变化。音乐上的结构是一个三维空间的卡农和追击。在作品快要结束时,是作品的关键点,是一个像鼓一样的声音,转变为像号一样的声音。

Mikrophonie I (1965) 是为电子音乐,低音大锣和四个现场的音响技术调制人员而作

《麦克风一号》的概念始自斯托克豪森家中收藏的一面大铜锣,一天他闲来无事,那各种杂物在锣上擦擦刮刮,觉得其声响上丰富大有可为,刚好那时他有一台电子滤波器,可以将一段声音中的某段频率过滤掉,从而改变其声响特性和音色,于是他找来麦克风,靠近铜锣收音,叫几名工作人员用各种能够想到的材料,以各种能够想到的方式去令铜锣发声,另外一名工作人员在远处操作滤波器,对麦克风拾到的音响进行实时的调变处理。

电子音乐在美国 MOMA concert 1952

1952年,otto luening和vladimir ussachevsky 在纽约现代艺术博物馆举行呃第一场电子音乐会。这场音乐会激发了许多作曲家们创作电子音乐的灵感。

otto luening :《low speed》 tape delay

vladimir ussachevsky:《sonic contours》 speed change

《gesang der juenglinge》

1956年创作的《gesang der juenglinge》,奠定了stockhausen在电子音乐方面不可动摇的地方。在作品中,他考虑到了音乐的方向性,即空间性。在第一次演出的时候,大厅中央有一个听众太,墙上布满了5个扬声器,音乐就从上下左右各个方向而来,这是作曲家第一次把空间概念引入作品。并且,在作品中声音运动方向变成了一个重要因素。

他把人声和电子产生的声音融合在一起,将一个12岁的男声作处理加工,成为音源,有时它只出现片段,并且常变换到另外的音高上,有时则是以追逐的形式出现,伴随它的经常又是混响的声音,不过这些改变仍没能妨碍电子的正弦波和童声相结合的那种音响上的纯洁感。

作曲家将电子音响分为三类:元音类的音、辅音类的噪音与中性的混合音。人声属混合音,人声与电子音响结合产生了效果丰富的混响。(回声的效果)

Spatial music

空间音乐是指那些在空间中移动的音乐声音。在二十世纪早期,作曲家开始被这种观念所吸引。“空间音乐”以乐器剧场方式体现:ives,crumb,xenakis,schnitke。Etc

空间音乐最有机和最自然的方式:以电子音乐方式带来声音移动的效果。

声源与视觉的综合:电影、幻灯片、舞剧、light-music

Varese: Poeme Electronique (1958) Brussels World Fair

为建筑Philips馆而作,运用了多种电子声音、教堂钟声、风琴的和弦、汽笛声、女声等等。在建筑内,放置了400多个扬声器,将它们分为几组。磁带中播放的声音有指向性的分配给不用的扬声器组。(称为―声音路线‖)

同时配合由建筑师亲自挑选的影像、图片展示,促成了历史上第一次的多媒体展览

那是一种“在空中迥响的声音,相互交叉、重叠、渗透,然后再分裂,相互撞击和冲突。”

——Verese

Stockhausen: Spiral

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